P H O T O G R A P H I A

2011-11-17T05:00:00.000-08:00

uma pesquisa sobre a Arte e Fotografia na contemporaneidade artística no Brasil é um tema longo e interessante demais para caber num blog. Talvez em um trabalho de conclusão de curso ou uma tese de mestrado ou doutorado. Imaginar que um tema nessa amplitude seria contemplado com a devida atenção e profundidade num blog seria ou ingenuidade ou presunção, o que não é o caso. Acredito que nessa minha pesquisa haja um caminho a ser explorado e expandido, pois o tema é vasto e recente, duas características que demandam tempo – de fazer a pesquisa e do próprio tema amadurecer para ser melhor analisado.

Além do mais, a arte contemporânea é por si só complexa o suficiente para que diversos livros tenham sido escritos na busca pela compreensão da época, das obras e dos artistas. Aqui, a tentativa de resumir vai causar a omissão de quase todos os artistas e obras que foram fundamentais na história desse período, que talvez seja o mais imcompreendido, justamente porque ainda estamos vivenciando suas mudanças e transformações.

E como disse Jorge Coli “A fruição da arte não é imediata, espontânea, um dom, uma graça. Pressupõe um esforço diante da cultura.” (Jorge Coli, "O que é arte"). A arte contemporânea parece ser mais difícil de compreender, já que culturalmente estamos acostumados a associar a idéia de arte com a arte do Renascimento, com os grandes mestres, com as “Belas Artes”. Talvez seja por isso que depende tanto das legendas, fichas, textos, projetos, explicações. E talvez seja nesse ponto que se distancia do público leigo.

Porém, muito disso foi proposital, a arte conceitual se posicionava justamente contra o sistema, o establishment artístico. A produção artística, nos anos 1960 e 1970 era altamente politizada - principalmente no Brasil, que vivia no período da ditadura militar e da censura – e os artistas queriam desestabilizar esse sistema, questionar seus dogmas e suas leis, e com isso em mente, produziram trabalhos que, por mais contraditório que pareça, estão hoje em dia no acervo dos museus e estudado nos institutos de arte.

Apesar dessa contradição irônica, talvez se possa dizer que o esforço e as obras que resultaram desse esforço mudaram a maneira com que o sistema artístico funciona e a maneira como a arte é vista, produzida e aceita nos dias atuais, principalmente em relação à fotografia. A contribuição da fotografia para a arte contemporânea foi fundamental para todas as mudanças e transformações que ela sofreu e gerou, inclusive na própria fotografia.

“O fotoconceitualismo conduziu a uma aceitação total da fotografia como arte (arte autônoma, burguesa e colecionável) em virtude da insistência de que este medium podia gozar do privilégio de ser a própria negação do conceito de arte em todos os níveis. Ao constituir-se esta negação, romperam-se todas as barreiras. A fotografia, inscrita no novo vanguardismo e combinada com elementos de texto, escultura, pintura ou desenho, converteu-se na quintessência do “antiobjeto.” (Anais do Museu Paulista. São Paulo. v.16. n.2 p. 131-173. jul.-dez 2008)

Essa foto fiz no Museu Oscar Niemeyer, em novembro de 2011. A Bienal de Curitiba tinha várias fotografias feitas por fotógrafos e artistas contemporâneos.

história da fotografia

2011-08-23T18:31:00.000-07:00

em 1839, dois processos que iriam revolucionar nossa percepção de realidade foram anunciados separadamente em Londres e Paris. Na época que foi anunciada, a sociedade industrial estava pronta para a fotografia. A fotografia foi a resposta final para uma sociedade e uma cultura com apetite para representações da realidade mais perfeitas e reais, uma vontade que começou na Renascença, e que não estava mais sendo satisfatória em imagens feitas à mão. A descrição realista nas artes visuais era estimulada e assistida pelo clima de pesquisa científica que emergiu no século XVI e que foi apoiado pela classe média durante a Renascença e a Revolução Industrial do final do século XVIII. O mundo estava pronto para a fotografia.

dia mundial da fotografia II

2011-08-22T16:07:00.000-07:00

o dia mundial da fotografia passou mas ficam as perguntas: será que as pessoas nos dias de hoje tem noção do que foi a criação da fotografia? Será que algum dia uma invenção terá o impacto que a fotografia teve na cultura e no modo de viver? Sabemos realmente porque fotografamos tanto, sempre? Será que os fotógrafos conhecem a história da fotografia?

Dizem que para entender alguma coisa, precisamos estudá-la, que a compreensão vem do entendimento, e o entendimento do conhecimento, o conhecimento, do estudo. Até onde estudamos fotografia? Até onde as pessoas (os fotógrafos?) admitem que a fotografia não é apenas um fazer, mas um campo de conhecimento que merece estudo e pesquisa?

Eu mesmo passo mais tempo estudando, lendo e pesquisando fotografia do que realmente fazendo fotografia. Se for contar o tempo, desde os meus treze anos, quando comecei a fotografar com uma câmera mecânica e manual com filme preto e branco, em que realmente fotografei, o tempo que estava com a câmera na mão fazendo fotos, quanto tempo deu isso? Levando em consideração que a maioria das fotos são feitas em frações de segundo, quantos segundos passei fotografando? Não deve ter dado mais que um ano... Então, o que faz de mim um fotógrafo?

No dia mundial da fotografia, é de se pensar o que é ser um fotógrafo. Um fotógrafo tem que saber a história da fotografia? Tem que ser um estudioso ou um pesquisador? Tem que conhecer os fotógrafos e as fotos mais importantes da história? Um fotógrafo tem que ter equipamento, ou mesmo sem uma câmera na mão alguém pode se dizer fotógrafo?

Quanto mais eu estudo, mais fico em dúvida, nessa era em que todos são fotógrafos e ninguém pára pra pensar sobre fotografia. Nessa época em que todos tem uma câmera mas a fotografia de filme está acabando, gradual e lentamente. Nesses dias em que os filtros e os presets e os instagrams da vida transformam o profundo conhecimento do laboratorista em um raso apertar de botão.

Walter Benjamin, ensaísta, crítico literário, tradutor, filósofo e sociólogo, associado à Escola de Frankfurt e à Teoria Crítica, autor de "A Obra de Arte na Era da Sua Reprodutibilidade Técnica" (1936), escreveu:

"Those who do not learn how to decipher photographs will be the illiterate of the future"
(Tradução livre, minha: "Aqueles que não aprenderem a decifrar fotografias serão os iletrados do futuro.")

E ainda, pra pensar como os tempos mudam mas não mudam, uma frase de escritor, poeta, jornalista e crítico literário francês Theophile Gautier, escrita em 1858:

"Our busy age does not always have time to read, but it always have time to look."
(Tradução livre, minha: Nossa era apressada quase não tem tempo pra ler, mas sempre tem tempo pra olhar").

Então, como se diz hoje em dia: #fica a dica: leiam mais, estudem mais, fotografem mais! Sem falar no incrível prazer de olhar as fotos de caras como Weston, Atget, Stieglitz, Strand, Irving Penn, Avedon.... a lista é enorme e sinceramente, prefiro ver as fotos deles do que as minhas rsrsrsrsrsr.....

A foto ali de cima foi meu primeiro auto-retrato publicado. Foi em 2001, no jornal Zero Hora, mas a foto foi feita no século passado, em 1998. Esta câmera é a lendária Nikon F, mãe da FM2 e de toda família F da Nikon. Foi largamente utilizada pela imprensa em todas as partes do mundo, especialmente no Vietna, pela sua resistência e confiabilidade. Lembro que meu pai me disse: "tu tinha que ter deixado tua cara aparecer né!" Mas sempre pensei que a História tem que vir primeiro, depois vem o fotógrafo. A câmera é só a conexão entre um e outro.

Então, mais uma vez, comemoro o Dia Mundial da Fotografia com muita gratidão a todos que contribuíram e com toda modéstia do mundo agradeço aos mestres, aos técnicos e a todos que proporcionaram essa história toda.

e para ler o que escrevi ano passado: dia mundial da fotografia

PS: queria ter escrito esse post no dia certo, mas na sexta saí de casa as 6:15 e voltei as 23:10... passei o dia fotografando, ou melhor, trabalhando com fotografia....

fotógrafos: Luis Eduardo Robinson Achutti

2011-08-10T10:53:00.000-07:00

fazer uma foto boa é fácil, agora fazer um livro repleto de fotos boas, ótimas e maravilhosas é muito, muito difícil, pode levar uma vida inteira. Um grande fotógrafo se revela quando, ao longo da vida, produz o que os americanos chamam de "body of work", e que provavelmente os franceses tem um termo ainda mais legal. Esse "corpo de trabalho", formado ao longo da vida, é o reflexo da experiência e da paixão do fotógrafo, e, no caso do Achutti, se tornou um livro indispensável na biblioteca de todos aqueles apaixonados por fotografia. O livro estará sendo lançado na segunda, 15 de agosto, das 19:00 às 21:00hs no Palacete Santo Meneghetti, o Palacinho (Rua Cristóvão Colombo, 300, Porto Alegre) "O Reitor Carlos Alexandre Netto convida para o lançamento do Livro que integra o evento Percurso do Artista - Achutti 35 anos. Fruto da exposição que teve a Curadoria do Prof. Boris Kossoy. Desenho Gráfico de Flávio Wild, textos de Ferreira Gullar, Millôr Fernandes, Donaldo Schuller, Mauro Koury e Achutti. Fotos da exposição, entre várias outras." Parabéns, Achutti!!! um grande abraço repleto de muita admiração e respeito pelo teu trabalho e também por tu ser esse cara legal que tu és!! parabéns professor!!!!!! Eu tive a oportunidade de conhecer o Achutti quando fiz a cadeira que ele ministra na Ufrgs, "Laboratório de Processos Fotográficos", e fiquei muito surpreso com a pessoa bacana, normal, gente fina que ele é. Além de grande fotógrafo, grande pessoa, muito na boa e muito interessante de conversar, mais que um professor, um exemplo a ser seguido, pela índole e pela paixão pela fotografia! para conhecer melhor o trabalho do Achutti, visite os sites: http://www.achutti.com.br http://www.fotoetnografia.com.br/ http://espiritodossais.wordpress.com/ http://www.ufrgs.br/memoria http://www.fotoetnografia.com.br http://www.blogpunctum.blogspot.com/ obs: a foto ali de cima não é minha, infelizmente :) e também não sei de quem é... tirei do facebook do Achutti... se alguém souber, além de dar os parabéns pela ótima foto, me avisa pra eu botar o crédito!

photographia

2011-07-18T15:24:00.000-07:00

after being away for so long - and even longer for a blog - I'm starting again, in a different way, and hopefully a better way. Instead of the concept "everydaylifephotography" that was the blog's name before I change to "photographia", the idea now is to talk about photography at large, not just the authoral every day life pictures. I guess I've been changing for a while now, but now more than just acknowledge that, I feel a certain need of expanding the boundaries, of talking about the photographers that I admire, the Masters, the people that for some reason influenced me, the world, or both.

Hopefully, this exercise will be more complex, but at the same time more accessible, simpler and more profound. Perhaps it is just another blog - and that's just what it is - but for me it is a way of recording and researching this passion that I share with so many, and always trying to learn more.

Maybe during this research I might be useful or at least amusing for ocasional readers that enjoy photography and art. May be not, but anyhow, there it is, a brand new three year old blog.

By the way, "photographia" is a word no longer used, as far as I know. But a long time ago, in a galaxy far far away, when the first daguerreotype came ashore in Brazil, if my memory does not trick me less than two years after it's so called "invention", that was the word used by the portuguese, and of course, it meant photography. Well, more about that later on, I'm just warming up, and it's a long story.

photos and values

2011-05-03T15:49:00.000-07:00

this picture was taken with a point and shoot camera, in the night mode. Knowing (and here the interesting meaning of the word knowing: adjective, showing or suggesting that one has knowledge or awareness that is secret or known to only a few people) the limits of a camera gives you the capability - or the power - to use it to take the pictures any way your own limits allow you.

I knew what I could do with that camera and I knew what I couldn't. By knowing the limits and possibilities one can produce whatever his repertoire - the stock of skills or types of behavior that a person habitually uses - allows. (And by allows I mean that sometimes even if we know, even if we have the knowledge, for some reasons we are unable to perform the way we wanted, we don't allow ourselves to be the best of us.)

For me, this image has more value than many of those I've made with so many other resources. To be honest, it is this lack of possibilities that may overvalue this image, because perhaps the defects and the impossibilities are more important than the qualities and possibilities, for they are the ones that set the limits, not the other way around.

Perhaps, I really don't know. All I know is that I love this picture as it is and it's limits makes the photograph even more important, at least for me.

fotografia e memória

2011-04-23T10:35:00.000-07:00

a popularização da fotografia nas primeiras décadas após sua criação proporcionou às massas o que era privilégio da elite, que podia pagar para ter seu retrato pintado.

A vontade de ser retratado e de possuir um retrato de quem gostamos, dos daguerreótipos até hoje, transformou os hábitos e desde então guardamos as fotos como pedaços da nossa existência. Nossas fotos. Fotos da família, da viagem, do jantar especial, do casamento. Registramos visualmente nossa trajetória e nossa história se torna as fotografias que temos, em álbuns, caixas, porta-retratos ou pastas no computador.

Editamos nossa história através das fotografias que fizemos e guardamos. Uma visão romântica e otimista já que fotografamos somente os momentos felizes - ou, no mínimo, especiais. Eu mesmo nunca vi ninguém tirando foto em enterro, velório ou do sanduíche qualquer que comeu sozinho.

Essa história registrada em fotografias é guardada com cuidado e carinho e cada foto é um gatilho que dispara sensações e memórias e por isso as guardamos, e, principalmente, talvez seja por isso que tiramos, fazemos esse tipo de fotografia. Talvez porque de tão enraizado na cultura e no dia-a-dia, sabemos que "o que a Fotografia reproduz ao infinito aconteceu apenas uma vez: a Fotografia mecanicamente repete o que nunca poderia ser repetido existencialmente."*

Trocar fotos digitais por email ou compartilhar na internet, hoje em dia, talvez seja o ápice da repetição, da memória (individual e coletiva), do álbum, e, quem sabe, da repetição da experiência, das sensações existenciais causadas pela visualização das fotografias.

As fotografias que mais gosto - entre as minhas - são aquelas das viagens, das festas, churrascos, jantares, aquelas da beira da praia, dos amigos reunidos, da família, dos amores, daquela morena. E no fim, quando o tempo tiver passado, serão essas as fotografias realmente importantes, essa edição da vida através de imagens, esse registro da trajetória, história e existência, que talvez seja a síntese do que gostaríamos que nossa vida tivesse sido: somente bons momentos.

Essas fotografias que guardamos com tanto carinho e compartilhamos com tanta vontade - e que são importantes somente para nós mesmo e quem está de alguma maneira relacionado - não são fechadas, pelo contrário, são abertas, e seus significados podem mudar com o tempo. De todos os sentimentos, talvez os únicos que vão durar, apesar do tempo, serão a saudade e o amor, nessa relação entre fotografia e memória, e talvez por isso guardamos com tanto carinho, em pastas, caixas, álbuns e porta-retratos, essas fotos especiais, desses momentos que não queremos esquecer.

(*tradução livre de Roland Barthes, em Camera Lucida: "What the Photograph reproduces to infinity has occurred only once: the Photograph mechanically repeats what could never be repeated existentially.)

dípticos

2011-03-31T12:10:00.000-07:00

talvez uma das formas mais comuns de se ver fotografias seja em revistas. Eu mesmo lembro de adorar ver revistas desde muito cedo, e essa forma de ver duas fotografias lado a lado sempre fez parte da minha educação visual ao longo dos anos.

Outra coisa que sempre tento fazer é sublimar tudo que está impresso em cima das fotos e tentar ver só a foto, sem nada escrito.

Essa forma de ver e de propositalmente juntar duas imagens vem de muito antes das revistas. Forma de apresentação conhecida e usada desde a antiguidade, popular durante o Império Romano e mais ainda na Idade Média, o Dípitico (ser forem três, tríptico, mais que três, políptico), e seu conceito foram apropriados pelas revistas modernas.

Duas placas presas por uma dobradiça, chamado também de "ícone viajante", foram largamente utilizados pela igreja católica para espalhar seus ícones, dobrando e viajando com segurança e abrindo e mostrando assim que chegasse a hora.

Bom, confesso que na minha infância eram outros ícones, deusas inacreditáveis em dípticos de tirar o fôlego. Mas sempre gostei muito de ver fotos de lugares, de viagens, paisagens. Outros ícones, mas sempre usando essa forma de apresentação e preservação de imagens. Enfim, sendo um gosto adquirido ou não, adoro ver fotos em pares.

pelo simples prazer de fotografar

2011-03-24T14:09:00.000-07:00

além de toda parte séria, densa, além de todo estudo, todo esforço, sofrimento, angústia, além de toda pesquisa, de toda história, de todo significado e de toda tradição e além de todos os mestres e todas obras primas, a fotografia também é um simples prazer cotidiano.

Além dos fotógrafos e da profissão, as pessoas fotografam por seus motivos particulares, fotografamos porque aquilo de alguma maneira nos agrada, nos dá prazer. Prazer em fazer, em ver, em participar, enfim, aquele tipo de prazer cotidiano sem pensar muito, sem pretensão, sem compromisso, simplesmente um agrado, uma coisa que fazemos porque gostamos.

Se a foto não ficou ótima, se não vai entrar pra história da fotografia, não importa. Pra esse tipo de fotografia, isso não vem ao caso. É como cozinhar, pra quem gosta de cozinhar, claro. Enfim, é nessa simplicidade, nessa despretensão, nesse hobby ou passatempo que, talvez, se encontre a base da fotografia, quando as pessoas fotografam pelo simples prazer de fotografar.

a dog in the middle

2011-02-07T14:45:00.000-08:00

I've always liked to photograph scenes and things that are the opposite of a beatiful beach landscape. Well after years of practice, I found a place litterally like that: if I turned around, that is exactly what I would've seen, for I was at Cape Polonio's shore, in Uruguay. I also photographed the beautiful landscape, and believe me when I say that the day was very sunny.

I've always like to photograph dogs, I don't know why, I just do. So in order to see the dog in the middle of the photograph, I had to desaturate a little and also dimmed down the light, vignetting the corners.

I was very surprised when I got to the page 47 of Robert Adams "Why people photograph". The two page chapter is called "DOGS" and starts with a question: "Where does art begin?". I've read it some time ago and looked it up to fresh up my thoughts. The last paragraph goes like this:

"Art depends on there being affection in its creator's life, and an artist must find ways, like everyone else, to nourish it. A photographer down on his or her knees picturing a dog has found pleasure enough to make many things possible."

I just wanted to capture the image that was on my mind, at the moment, when I saw that scene, and of course I didn't think about that then. I'm still not sure about what he meant, but it's interesting to think about it.

summer in the city

2011-02-04T11:07:00.000-08:00

summer in the city.
Me, I was working, sweting under the sun, over an idea hard to produce. A nice summer scene in the big city, just waiting there to be photographed.
Yes, been there, done that, now I gotta work, no time left for a skate park summertime afternoon anymore.
So many pictures go untaken during any given day, so many scenes never captured in a frame, so many photos wasted by the minutes.
Just another summer in the city, sweating for money and photographing for fun.

Porto Alegre, 2011

summertime

2011-02-04T08:12:00.000-08:00

summertime, and the living is easy...

Uruguay, 2011

a falta de tempo e a fotografia autoral II

2011-01-12T05:51:00.000-08:00

trabalho autoral ou comercial? Raramente dá pra fazer o que se quer, sem layout, sem ninguém dizendo o que tem que ser feito, com autonomia pra decidir e fazer, criar.

Esse é o primeiro post de 2011, e começa com uma foto autoral produzida para o primeiro trabalho de moda do ano, pra começar enfrentando velhas verdades com novas propostas, pra acabar com a choradeira e ver que tem muita coisa autoral dentro do comercial, pricipalmente nesse caso, uma foto revelada no camera raw, basicamente, uma obtenção fotográfica e uma revelação fotográfica, nada que não pudesse ser feito em laboratório químico.

Assim que quero trabalhar, quando querem fazer comigo e querem fazer o que eu quiser. A autonomia pra decidir e resolver, devolve uma parte perdida nos trabalhos de publicidade, e faz com que a pessoa atrás da câmera seja mais que um operador de máquina, e trabalhos sem manipulações mirabolantes trazem de volta o fotógrafo de verdade.

Essa foto foi feita com luz natural, em uma igreja abandonada.

a falta de tempo e a fotografia autoral

2010-11-23T05:56:00.000-08:00

lembro quando contei a um amigo que estava fazendo um blog e ele disse "mas como tu tem tempo pra isso?" e eu disse que tempo tem, se acha, é só fazer.... pois olha, talvez eu esteja certo, mas dessa vez me provei errado.

A fotografia demanda tempo, e a fotografia autoral mais ainda. Esse fim de ano foi quase mais corrido do que ano passado, e dois anos depois de começar o blog, dei uma parada geral. Falta de assunto? Falta de tempo? Falta o quê??

Trabalhar com fotografia as vezes dá nisso, a gente só trabalha fazendo o que somos obrigados e acabamos não fazendo o que somos apaixonados. Além de toda um lista de coisas pra fazer (meu follow up tá com três páginas de caderno grande sem muitas linhas em branco) ainda tenho uma caixa cheia de filmes, desse ano, do ano passado... enfim... fora a parte dos processos arcaicos de fotografia (cianotipia, marron de van dyke, etc), tenho laboratório pra fazer aqui no estúdio mas que nunca dá tempo de fazer nada... Dizem que a falta de tempo é a desculpa dos incompetentes, mas há controvérsias.... Eu só sei que esse ano passou rápido demais ou eu fiz trabalhos demais e, mais uma vez, deixei a fotografia autoral atrasar...

A fotografia comercial paga as contas, mas é a fotografia autoral que traz a real satisfação. Raramente o trabalho comercial e autoral se fundem, esse ano tive uns que foram assim, mas a grande maioria é apenas produção de imagem, não é fotografia, muito menos arte.

Mais uma vez chega final do ano e eu penso que ano que vem vou dar prioridade pra fotografia autoral, que vou acabar com a fila de filmes, que vou produzir uma exposição, que vou publicar um livro. A única certeza é que terei 12 meses de contas pra pagar, mais um menos uns 50, 60 boletos pra quitar, mais equipamento pra comprar, enfim, as contas, no fim das contas, são o que impedem, me impedem, de fazer o que gosto e ser o que realmente sou, um fotógrafo. A maior parte do tempo tenho sido um mero produtor de imagem, operador de máquina.

Em uma era que todo mundo é fotógrafo, que qualquer um produz imagens e que o mercado não busca o melhor mas o mais legal/amigo/da panela/queridinho e que a tecnologia supera o talento pessoal, numa era onde o know-how vale menos do que o who-knows-who, onde vale mais o que se diz sobre arte do que a obra em si, numa época onde é mais importante o lobby e o marketing pessoal do que o talento e o resultado da obra, nada mais é certo, tudo é duvidoso e parece tudo mentira.

Antigamente a fotografia remetia ao real, hoje em dia remete à mentira, ao irreal. Antigamente dava tempo pra tudo, hoje, não dá tempo de fazer nada e as resoluções de ano novo acabam ficando pro ano que vem.

Talvez a única coisa que me conforte na hora que vejo que o ano todo passou e eu acabei não fazendo tudo que eu gostaria - em fotografia autoral - é uma frase de um dos grandes mestres, Minor White (um dos melhores nomes de fotógrafo que eu já vi):

"Estou sempre fotografando tudo mentalmente, como um exercício."

Mesmo não escrevendo oficialmente no blog, estou sempre pensando e lendo sobre fotografia, como um exercício.

Agora, de volta ao trabalho, o chicote tá doendo e o ano acabando, preciso me mexer. Essa foto fiz no Uruguay, esse ano, mas os filmes dessa viagem ainda não revelei, não deu tempo.

everydaylifephotography and Raymond Depardon

2010-09-30T12:28:00.000-07:00

I really don't know why Raymond Depardon photographs, but he must have lot's of reasons to. One of them is passion, I would guess, because for an old man to go out on the streets with a heavy 8'x10' in a cold day he must be really passionate about it.

A four year project, a kind of inventory of fixtures of France, the light, the streets, places and territories, french life and lifestyle. Here in this snapshot, photographing Côte d'Azur. The pictures were showed at the National Library, in Paris, in september, and then were to become a book.

Another great work is called "The city as I first saw it...", where "Depardon captures his first impressions of life in 12 of the world's most populous cities. Setting out to lose himself in each place, the resulting photographs show unguarded images of people going about their everyday lives", and was showed in London, in april, 2010.

Everydaylifephotography. The man is old, but the work is new. That, for me, is passion for photography.

I'm writing this post because I got an email from another great photographer, Luiz Eduardo Robinson Achutti, saying only this: "a genious for the old and good documental phtography...", so, what else can I say about it?...

o tempo e a imensa quantidade de fotografias

2010-09-12T19:42:00.000-07:00

A fotografia tem um relacionamento intenso com o tempo. O tempo revela os filmes, o tempo determina a luz que entra na câmera, o tempo define a fotografia.

As fotografias, por sua vez, dão indícios do tempo, mas se o tempo é determinante na fotografia, a fotografia não determina o tempo. Nem sempre dá pra dizer quando uma foto foi feita, assim só olhando pra ela.

Fora essa parte técnica, conceitualmente o tempo exerce seu poder com todas as fotografias, mostra quais são as que realmente importam. O tempo revela, eterniza. O tempo é severo, e com o tempo as coisas mudam e o que parecia bem legal se revela ilusão passageira. Só o tempo revela, mostra, retrata, afirma, dá a certeza do que realmente valeu e o que, no fim das contas, foi perda de tempo.

Dizem que se durante um ano o fotógrafo conseguiu produzir cinco fotografias que resistam ao teste do tempo, aquele foi um ótimo ano para o fotógrafo. Vou além e digo que se durante a vida toda o fotógrafo conseguiu uma fotografia que resista ao teste do tempo, valeu todo esforço.

Assim como uma fotografia nunca poderá ser refeita porque o tempo passou, nada pode ser refeito e só o tempo vai mostrar se foi uma obra com significado e importância ou só mais uma fotografia, mais uma nessa imensa quantidade de fotografias que tem por aí.

As câmeras, as máquinas fotográficas, também mudaram com o tempo. Hoje em dia as câmeras são descartáveis, não duram. Hoje o fotógrafo pega uma câmera sabendo que não vai durar, que o tempo vai fazer com que a câmera tenha que ser trocada logo logo. Trocar de câmera é uma questão de tempo, já que as máquinas mudaram tanto com o passar dos anos. Hoje, elas mesmas se fazem tão descartáveis que nos obrigam a trocar. E apesar de serem caras, são descartáveis facilmente, sempre vai ter outra melhor.

O que salva é que os fotógrafos se adaptam ao tempo, que controlando usam à seu favor para produzir fotografias, e modificando seu modo de operar e pensar se adaptam e não param de fazer o que amam, ou pelo menos gostam.

E se as fotografias, com o tempo, se tornam importantes ou esquecidas, depende da fotografia, do fotógrafo, da história e de quem as vê. Se para qualquer um uma fotografia não significa nada, é só mais uma nessa imensa quantidade de fotografias, para mim pode ser a fotografia da minha vida.

Claro que não essa aqui do post, essa é só mais uma nessa imensa quantidade de fotografias.

9 11 e Joel Meyerowitz

2010-09-11T14:25:00.000-07:00

Joel Meyerowitz é com certeza um dos caras que já entraram pra história da fotografia. Essa foto infelizmente não é minha, adoraria ter conhecido um dos fotógrafos que mais admiro. O trabalho de Meyerowitz é impressionante, uma vida dedicada à fotografia, um Street Photographer na essência, e um dos mestres da fotografia colorida, marca do seu trabalho.

"Depois dos eventos que aconteceram no 11 de setembro de 2001, o local do World Trade Center foi declarado "off-limits" para fotógrafos pelo gabinete do prefeito de Nova Iorque dois dias depois dos ataques. Joel Meyerowitz sentiu que "sem fotografias" significa "sem história", então apelou para o Museu da Cidade de Nova Iorque e para o gabinete do prefeito para que permitissem que fizesse um exame histórico das consequencias do ataque. Seu objetivo era dar aos nova iorquinos e todos americanos com um arquivo que seria útil para futuras gerações estudarem e entenderem o que aconteceu dentro da "Forbidden City of Ground Zero"."

Tradução livre do site dele, e pra ver todas as fotos que ele fez e todo trabalho fantástico de um dos maiores fotógrafos da história, e também pra ver o que aconteceu depois do dia que mudou o mundo, e ver a beleza em cenas de desolação, não deixe de ver:

www.joelmeyerowitz.com

http://www.joelmeyerowitz.com/photography/after911.html

as escolhas, a esperança, as perdas e a saudade III

2010-09-10T10:07:00.000-07:00

um dos aspectos mais fascinantes da fotografia é a capacidade de contar uma história, ou várias histórias dependendo de quem vê, de se comunicar sem palavras, de fazer pensar, imaginar.

Por isso de todo tipo de fotografia, talvez o que eu mais goste é aquela fotografia do dia a dia, que faz parte da vida do fotógrafo.

As fotografias da Segunda Guerra Mundial do Capa ou as obras primas de Bresson (os dois caras mais exemplos clássicos pra tanta coisa) são fotografias do dia a dia, contam histórias, reais ou não, não importa, o que me fascina é a capacidade de instigar a imaginação.

As escolhas que fazemos, ou mais especificamente as escolhas que os fotógrafos fazem, determinam as histórias que contam e vivem, moldam a vida de uma certa maneira peculiar, pictórica, se tornam talvez uma memória fotográfica do que aconteceu, do porquê aconteceu e de que maneira as escolhas influenciaram nisso tudo.

Durante o verão eu escolhi viajar e não levar minha Holga 120N, deixei ela pra trás e fui pra praia. Entraram na minha casa em Porto Alegre e me roubaram, junto com várias outras coisas, mas ela tinha um valor especial pra mim, foi uma perda inestimável, nenhuma Holga é igual a outra, elas são únicas - apesar de que para muitos todas as câmeras são iguais - e por mais difícil que seja pela descartabilidade das câmeras hoje em dia, tão fáceis de serem substituídas, existem tantas, mas pra mim ela era especial e sinto muita saudade.

Foi uma perda sem aviso, de repente, escolhi ir pra praia e não levar, e enquanto eu estava lá, estava perdendo algo tão valioso pra mim que não sei nem como descrever sem parecer exagero. Até hoje ainda não consegui, ou melhor, não quis outra, ainda estou sentindo uma saudade tão forte que só penso nela, não tenho olhos pra outra Holga. Enquanto isso uso outras.

Então fico pensando em como é diferente o valor de um bem para as pessoas, e como as pessoas valorizam coisas diferentes. Talvez pra qualquer outro, ela seja apenas mais uma câmera à venda pra ser usada, pra mim era especial, eu já tinha uma relação com ela, sabia como se comportava, suas virtudes e seus defeitos, e como admirava os defeitos dela, era justamente isso que tornava aquela Holga única e entre todas as câmeras, era ela que eu queria ter.

A fotografia é sentimento, pelo menos a parte que eu gosto. Claro que o trabalho comercial paga as contas, mas talvez a verdadeira fotografia seja aquela que foi feita movida à sentimento, e talvez nem todas sejam assim. Pra mim, essa é minha verdadeira fotografia, aquela que fiz sentindo, com sentimento, por vontade própria, as outras não importam, não vou lembrar depois.

Acordei hoje com uma saudade danada daquela Holg. As escolhas definem o rumo, a esperança de quem sabe um dia, consola, as perdas são quase sempre irreparáveis e no fim, a única certeza é a saudade.

Essa foto do post fiz em Buenos Aires. Viajar é tão bom né... pena que eu não tinha a Holga pra levar junto, a viagem teria sido muito melhor se ela estivesse junto comigo, mas quando eu podia levar não quis porque já tinha muito filme na fila, seria só mais uns pra se juntarem ao bolo e ficar travando a fila.... enfim, não levei uma vez e perdi, na vez que queria levar só restava a saudade e a ausência.

Essa fotografia pra mim fala da presença da ausência, fala do que estava ali, do que não está ali nesse momento, conta diversas histórias, dependendo de quem ver. Pra mim fala das escolhas, da esperança, das perdas e da saudade.

as escolhas, a esperança, as perdas e a saudade
as escolhas, a esperança, as perdas e a saudade II

photoshop = laboratório III

2010-09-08T13:35:00.000-07:00

o instinto manipulativo sempre foi um dos impulsos fundamentais do fotógrafo. A começar pelo enquadramento, uma manipulação no sentido de edição, escolha do que que está sendo fotografado, depois, no preto e branco, já havia a manipulação pelo fato de ser preto e branco, uma manipulação da realidade.

Com a invenção da fotografia colorida, outra manipulação porque dependendo do filme, a cor mudava, a cor era manipulada.

Sempre no laboratório, colorido ou preto e branco, a manipulação é intrínseca ao processo, desde a manipulação dos químicos, do papel, do filme. Com a invenção da fotografia digital, principalmente do Photoshop, a manipulação ficou mais evidente.

Popularizado, o fotoxop ficou sendo visto como uma entidade que transforma e faz tudo sozinho, como se no laboratório a figura do laboratorista fosse desnecessária, já que as bandejas e as pinças fazem tudo sozinhas.

Então, hoje em dia, além de perguntar quem é o fotógrafo, já se pergunta quem é seu manipulador, como se o manipulador fosse quase tão importante - ou mais - que o fotógrafo. Na fotografia publicitária, muitas vezes o fotógrafo entra somente com a matéria prima, e a imagem final é feita por outra pessoa ou equipe, que manipula, muda tudo, transforma e depois o crédito é de quem? Quem é o autor? Essa pergunta não existia antes, pois havia um limite para a manipulação fotográfica em laboratório, então o crédito do fotógrafo era indiscutível. Hoje não mais.

Essa foto aqui de cima está longe da original, da captação, da obtenção. Mesmo imitando aquele defeito produzido quando a luz vaza e queima um pouco do filme colorido, dando aquela cor amarelo-avermelhada. Camadas e camadas para ajuste de cor, contraste, níveis, tratamento de pele (porque parece que hoje em dia se esqueceu que anos atrás a pele saía perfeita já na obtenção), mais uns flares porque se não fosse o pára-sol teriam flares na hora, mas depois fica mais fácil de acertar do jeito que estava imaginando. Ou seja, muita, muita manipulação.

Nesta foto especificamente, eu mesmo fiz toda manipulação, mas sinceramente preferia ter um manipulador que fizesse tudo pra mim. Eu gosto mesmo de laboratório químico, não sou muito fã do fotoxop, é uma relação conturbada mas não conseguimos nos separar.

Enfim, talvez a grande verdade seja que a manipulação é parte fundamental do processo fotográfico, independente de quais ferramentas forem usadas, fotografia é manipulação, e fotoxop é igual o laboratório.

o passado do presente

2010-09-02T06:57:00.000-07:00

é estranho pensar que a fotografia digital já tem um passado, ultrapassado, e que em pouco tempo tudo tenha mudado tão rápido. Se McLuhan estava certo quando disse que "se funciona, já é obsoleto", a primeira câmera digital que fotografava em arquivos .RAW que comprei, em 2002, já pode ir pro museu, ou pro ferro-velho.

Lembro bem logo que comprei, saí fotografando tudo, o dedo liberado do clic com custo, e a conta de quanto seria não mais se fazia, foi uma liberdade que não conhecia, não tinha meios de aproveitar, na fotografia com filme. Como não nasci aposentado nem ganho mesada da vida, sempre precisei comprar tudo, e a sensação de fotografar sem limites que a fotografia digital proporcionou foi realmente uma quebra de paradigma naquele momento.

Mais uma vez, a invenção - ou reinvenção - da fotografia mudou os hábitos e costumes da sociedade. Depois da fotografia digital, o mundo mudou completamente e a sociedade ocidental se tornou, de fato, uma sociedade da imagem, e vivemos, talvez, na era da imagem, mas não lembro agora qual livro li isso.

Pra mim que tenho um quadro (na verdade ainda não está emoldurado, está pregado na parede portanto não é um quadro), uma colagem feita de restos de laboratório, filmes, cópias, etc, e que diz "long live film", confesso que não demorou muito pra saber que tudo ia mudar, e muito mais do que as pessoas queriam acreditar que mudaria. Sim porque nós puristas não gostamos quando as coisas mudam não é mesmo? Lembro quando decidi começar a trabalhar com fotografia digital e todos ou riam ou diziam que o cromo era melhor e que a fotografia digital nunca ia alcançar a qualidade do cromo... uahuahuahauhauhauauaha.... eu não ria na época, por respeito e porque momentaneamente eles tinham razão, mas era evidente que tudo ia mudar em poucos anos, inclusive a opinião deles heheheh.... agora, quase uma década mais tarde, é mais fácil achar quem concorde comigo, e depois de falar tanto, todos tem e trabalham com fotografia digital.

Essa imagem de cima foi feita no primeiro dia, e nem é um .RAW mas um modo que tinha de fazer fotos sépia direto.... sem cheiro de enxofre... que fácil! Mas enfim, a fotografia digital veio pra ficar e já mudou tudo várias vezes, o presente já tem passado e o futuro já está acontecendo.

dia mundial da fotografia

2010-08-19T11:01:00.000-07:00

O Dia da Decretação da Fotografia, 19 de agosto convencionou-se como dia da Fotografia.
A razão da escolha foi a data do decreto de autoria de Arago na qual o governo francês comprou a patente de Daguerre, concedendo-lhe uma pensão vitalícia, e liberando o direito de uso para a humanidade.

Tanta coisa pode ser dita sobre a fotografia, que daria um livro. E deu, muitos, vários livros, estudos, teses, blogs. A fotografia, desde sua criação em 1839, mudou o mundo - e como dizia McLuhan "os homens criam as ferramentas e as ferramentas recriam os homens".

A fotografia mudou o mundo e as pessoas, primeiro com o deslumbramento causado pela invenção, o frenesi que tomou as ruas de Paris e do planeta, mudou com as obras criadas, que causaram tantas sensações em tanta gente, e depois com a democratização da arte, primeiro com a Kodak e anos mais tarde com a fotografia digital. Hoje em dia todo mundo é fotógrafo, quase todo mundo tem uma câmera e quase todos os celulares fazem fotos todos os dias. As pessoas e a cultura moderna são usuários e aficcionados pela fotografia, mesmo que não entendam nada, só apertem o botão.

A fotografia faz parte das nossas vidas, nos nossos álbuns de família, nas fotos das nossas comemorações, nosso dia a dia, fotografamos tudo que gostamos. A cultura é visual, e vivemos na era das imagens. Nunca na história o mundo foi tão influenciado pelas imagens, e nunca foram feitas tantas fotos. A fotografia - a imagem - talvez tenha se tornado tão fundamental nas nossas vidas que é indispensável. Já pensou o mundo sem a fotografia?

Então hoje me sinto muito bem, repleto de sensações e pensamentos mas principalmente gratidão. Eu me sustento e pago minha vida há oito anos só, sim, só com fotografia, e tudo isso graças a todos os fotógrafos e inventores e técnicos e artistas que não só criaram mas desenvolveram, recriaram, reinventaram e escreveram tanto, agradeço muito e tenho um profundo senso de gratidão aos famosos e desconhecidos que proporcionaram tudo isso. Daguerre, Niépce, Nadar, Talbot, Archer, Muybridge, Adams, Weston, Bresson, Muniz e a lista é enorme, tão grande quanto o sentimento que guardo dentro de mim, junto com todas as imagens que vejo se fechar os olhos.

Pra mim que sou fotógrafo desde os 13 anos, que vivo de fotografia, que estudo fotografia, que vivo pensando, lendo, pesquisando, admirando e fazendo, todo dia é dia da fotografia, mas hoje, dizem que é oficial, é o dia mundial da fotografia.

Então deixo meus sinceros agradecimentos, parabéns e obrigado! Viva Daguerre! Viva Zapata!

opening night

2010-08-13T10:42:00.000-07:00

the Arte+Arte 2010 opening night was great! Lot's of people, good wine, and all kinds of artworks for us to appreciate. I was very happy to see so many contemporary works, so many people producing, making, participating in the art world, specially photographers. All shapes and sizes, for all kinds of tastes and minds.

The show was held at the Contemporary Art Museum, at the Casa de Cultura Mário Quintana (named after M.Q., the most famous poet of our city, Porto Alegre), and this place was a époque hotel transformed in a "Cultural House", that holds art galleries, a theater, libraries, museums, a cinema, lots of workshop rooms and even a black and white photo lab! And it is also a beautiful building, in the down town area.

So nice to see the young and the old, the very young and the very old all together appreciating contemporary art, and all the artworks were produced in 2000 and 2010, which also makes me happy to see how many people are active!

Perhaps the art world is a lot more interesting and active than most of the people think. My advice is the same as Greenberg's: see, see, and see.

Go to every gallery, every museum, anywhere art is being showed! It's a lot more fun than watching tv! And it was free! At least think that the worst that can happen is drink free wine! hehehehe

Seriously now, I was very happy indeed to see a photograph of mine being acknowledged as art, and showed at the Museum of Contemporary Art.

I was in Buenos Aires when I found out that I've been a photographer for a long time, even though I was only 13yrs old. I realize that I loved photography and the feeling that is growing ever since that cold afternoon. The photograph that I entered in the art show was made in Buenos Aires, but now I'm 32 and even more aficionado, even more in love with the craft, the search, the feeling. Photography is soul food for me, and even though the viewers can't see, that image is not made of ink and paper, is made of love and feeling, of search and questioning.

So thanks to all the people that made that possible, the organizers, producers, artists. Without help, nothing is achieved. In the photographers case, if it weren't for the help of the machines and all the people involved in the industry, for example, there would be no photography. So thanks a lot industry, thanks masters and creators for everything that you've done for us, and thanks, I don't know, everybody else, the music is starting to go up I guess I gotta go...

Arte+Arte

2010-08-05T08:40:00.000-07:00

ARTE+ARTE
Ensaios Contemporâneos
"A sétima edição do Arte+Arte propõe o conceito de "ensaio" para instigar a criação artística em suas múltiplas abordagens, questões, diálogos e experimentações. A mostra não estabelece uma preferência estética, mas sinaliza que o olhar deve reconhecer a experiência atual da arte e enriquecer uma refexão sobre ela."

"A Associação Riograndense de Artes Plásticas Francisco Lisboa, e a Secretaria de Estado da Cultura, através do Instituto de Artes Visuais e Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, convidam para a abertura da exposição ARTE+ARTE Ensaios Contemporâneos."

Período: 13 de agosto a 26 de setembro
Local: Galeria Xico Stockinger e Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul
Casa de Cultura Mário Quintana, Rua dos Andradas, 736, 6˚ andar, Porto Alegre, RS

Realização:
Associação Riograndense de Artes Plásticas Francisco Lisboa - Chico Lisboa
Secretaria de Estado da Cultura
Instituto Estadual de Artes Visuais
Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul
Casa de Cultura Mário Quintana

Estou participando dessa exposição com essa obra, Bicicletas, Buenos Aires, 2010.

Na verdade, essa foto aqui ao lado é uma versão preto e branco da obra original, que está em um post aqui pra baixo. O instinto manipulativo do fotógrafo me fez mexer e tentar um super contraste...

Escolhi essa foto porque além de ter sido feita esse ano - bem contemporânea - trata da experiência atual da arte, no caso da fotografia, a fotografia digital, e acredito que talvez ajude a enriquecer a reflexão sobre a fotografia contemporânea e digital. Nessa foto, o efeito foi todo na obtenção e revelação do arquivo digital, produzido pra gerar a maior quantidade de "noise", e assim me ajudar na minha própria reflexão e análise de como a fotografia se comporta e como pode ser explorada, experimentada.

Na verdade eu torci pra que escolhessem essa foto, já que tinha que enviar três trabalhos para seleção, talvez por sorte tenham escolhido a que eu mais gostava. Não se trata de gostar, mas essa fotografia foi a que mais me instigou nos últimos tempos. Figurativa mas quase abstrata, linhas, quadrados, círculos, diagonais, paralelas, finas, grossas, claras, escuras. O grafismo dessa imagem, a composição cortada, a simplicidade e a complexidade das formas e volumes, tudo isso me fez chegar à conclusão que essa talvez tenha sido uma das melhores fotos que já produzi. Se daqui a cinco anos eu ainda gostar dela, talvez daqui a uns vinte anos eu tenha certeza de que tinha razão, até lá, só observar e refletir.

tamanho, intensidade e sensação

2010-07-30T15:23:00.000-07:00

O que é mais importante, a qualidade do pincel e da tinta ou a sensibilidade e a sensação causada por uma pintura? Claro que se estivéssemos falando de fotografia comercial, entram em questão o tamanho e qualidade em função das utilizações e impressões, porém não estamos, falo de fotografia autoral. Na fotografia autoral, quem escolhe e decide é o autor, e talvez não haja nada que possa ser dito pra afirmar que o autor está equivocado, afinal de contas, está fazendo pra ele mesmo.

Outra coisa que realmente não entendo é a crença de que pra fazer uma boa foto tem que ter uma boa câmera, e que, na fotografia digital, se a câmera - leia-se resolução - não for boa não da pra usar. Mas quem foi que disse que o negativo 35mm era a melhor escolha em matéria de resolução e qualidade da imagem? Cartier Bresson e Sebastião Salgado (só pra ficar nos mais famosos porque a lista é grande) usavam 35mm e, se comparado a uma ampliação de Edward Weston, tecnicamente falando, é como se não tivesse resolução. A escolha é do autor, porém talvez não haja ninguém que veja uma fotografia de Bresson e fique sem reação, porque a sensação é mais importante do que a qualidade. Quem se importa se era um negativo 35mm? Bom, eu não. Claro que os dois usavam Leica né.... ajuda muito, mas continua sendo filme 35mm.

O ponto que eu quero chegar é que não importa o tamanho, e sim a intensidade. Huahauahuahau... sim porque fiz essa foto com uma camerazinha dessas de bolso, no modo noite. Foram três tentativas, essa foi a terceira. Não foi por acaso nem acidente, mas, pelo menos pra mim, mostra que a câmera não importa. Claro que muda tudo, eu mesmo tenho uma grande... mas talvez tenha a certeza de que qualquer câmera, qualquer uma mesmo, vale a pena e faz o serviço, sabendo usar direito. Claro que se eu tivesse com a minha câmera grande e com uma resolução que deixaria a primeira câmera digital na pré-história, a foto poderia ter ficado bem melhor, mas isso tecnicamente falando, levando em consideração que também sou fâ de carteirinha do Weston e do Adams. Mas no fim, a melhor câmera é a que se tem na mão, é essa que faz a fotografia, não a que tá no armário no estúdio.

Gosto dessa fotografia porque poderia ter sido feita em quase qualquer lugar. Cuba, Madri, Nova Iorque, Miami, Los Angeles, Paris, Buenos Aires, Montevidéo, você escolhe, eu também não me importo, gosto mesmo é da intensidade da sensação.

noise II

2010-07-19T12:35:00.000-07:00

se antes eu não gostava do resultado digital de uma fotografia que utilizasse o "push process" - ou como dizem por aqui, "puxar" o filme (usar um ISO maior na hora da revelação, ou ainda, mudar a velocidade de captação de luz de um filme aumentando o tempo de ação do revelador, ou ainda, um truque pra fotografar com menos luz) porque ao invés do grão do filme ficar mais perceptível um ruído digital estragava a imagem - agora fico cada vez mais feliz que mudei de opinião (ver post "noise").

A luz noturna, além de mudar para nós, acostumados ao dia, é ainda mais diferente para a câmera, que se comporta de outro modo, precisando de mais tempo para registrar as imagens. Portanto de noite é mais "fácil" conseguir uma foto granulada (ou aguentar uma foto granulada, se esse não for o objetivo) e no caso da fotografia digital, um modo de ganhar mais noise. Fotografar à noite e produzir uma foto bem subexposta (com bem menos luz do que o necessário, escura em outras palavras) depois buscar a imagem na revelação aumenta ainda mais o grão, ou o ruído.

Talvez tudo seja uma questão de objetivo, gosto pessoal, enfim, gostar ou não gostar, eis a questão. Não só passei a gostar como estou produzindo fotografias com noise, propositalmente. Quanto mais melhor.

Essa foto do post fiz à noite, e no negativo (raw) não dá pra ver quase nada, tá bem denso, e efeito todo foi produzido pela revelação, essa foto nem entrou no Photoshop. A única coisa que fiz no Lightroom - já que não se usa mais o darkroom - além da revelação, foi deixar nessa cor de fotografia velha, até pra dar um contraste com as novas idéias.

everydaylifephotography

2010-07-09T10:48:00.000-07:00

for years I didn't know what I liked the most about photography. So many ways, means, images. Many masters throughout history, so many incredible photographs, of every subject, in every way. Indeed, hard to choose. And in the end, photography is based on a single word: choice.

Choose what, how, when, why, where and keep choosing, photography is about a series of individual choices. Before, during and after the picture is made, one after another, the photographer has to choose, make a choice, decide, take a stand, claim a stake, put it in any way you want, still, making the right choices are the essential quality of a photographer, and and in the end game, a good photograph is the result of all those choices.

Sometimes, depending on what is being photographed, there is time to think, to rethink, to think again, to try and try and try till the best result is achieved. I really like this type of photography, that starts in the mind of the photographer, like the concept of pre-visualization created by Weston.

Other times the choice has to be made in a matter of seconds, and the awareness and readiness of the photographer must be sharp and quick to do without thinking and rationalizing what it takes to capture in a photo what you are seeing in that moment and visualizing in you mind. Seconds. Bresson's definitive moment.

But is the idea of every day life photography that I am really fascinated by. Everyday life, the (not so real) reality, the things that are happening without acknowledging the presence of the photographer.

Lesser choices, less time to choose, to think and rationalize. The photographs that are made for no particular reason, with no intent and nothing else but habit, something that one's do, like a musician that whistles a song while walking down the street or waiting at a bus stop. The photographs that are made just because a photographer likes to take pictures and was caring a camera.

To be honest, I still don't know what I liked the most about photography. This is a choice I don't have to make. My fascination owns no loyalty to no genre, no nothing, and I enjoy the doubt, the search for the answer. In the end, there is no answer, only the the search, the walk, the path, the journey, and the photographs one makes along the way.

The photo above was made in Buenos Aires, last month, while I was walking down the street, and it is a single shot. I didn't quite stop to take the shot, I guess I kindda shy to be a street photographer, I must've slowed down the pace, I don't remember. It was developed last night, and I had to choose to crop or not to crop. Well I did, and to make a perfect square, I had to cut the tip of the shoe and a part of the right side to keep the original height. Like it's been said, photography is all about choices, just like in the everyday life.

studium

2010-06-29T15:42:00.000-07:00

the word studio is derived from the Italian: studio, from Latin: studium, from studere, meaning to study, zeal, painstaking application.

A room where an artist - a photographer, paintor, musician, etc - works. By work we can understand study, for all work needs study in order to be performed or produced.

Many photographers, and many very very good and successful photographers, do not own a studio, a commercial studio. Many photographers that do own a studio, a commercial studio, may not study in it. Part of the meaning of the word is being slowly forgotten and less than ever photographers study in the studio, myself included I guess.

This photo above is just a study, nothing else. A reminder that as simple as it may be, studing is one of the cornerstones of photography.

PS: I forgot to mention that this photo is based and it's supposed to be a reference of a Eugène Atget photograph, Saint-Cloud, 1921-22. The way he creates several triangles thoughout the image. Check it out: http://www.masters-of-photography.com/A/atget/atget_cones.html

bagagem e história

2010-06-28T20:40:00.000-07:00

ainda não achei informações sobre a "cámara antigua a rollo Gevaert Rex Lujo, Siaf, Industria Argentina". Sempre que viajo gosto de comprar produtos locais.

Trazer fotos de uma viagem é, também, trazer memórias. Trazer livros, uma extensão da viagem. Conhecer fotógrafos, fotografias e a história de onde foi viajar, conhecer, é trazer conhecimento.

Da próxima vez levo uma mala maior.

Eugène Atget

2010-06-24T08:52:00.000-07:00

registrar, fotografar o que fazemos e os lugares onde vamos é comum, quase todo mundo faz, principalmente quando são turistas. A fotografia mudou a maneira como as pessoas viam o mundo, mudou a maneira de viajar, se tornando ela mesma um meio de transporte, mas isso é outro assunto. Mas registrar a própria cidade é mais raro, mas entre os fotógrafos, uma constante.

Claro que os fotógrafos que moram em Nova Iorque ou em Buenos Aires tem mais sorte e mais coisas pra fotografar do que os que moram em Nova Horizontina ou qualquer cidade pequena do interior, mas esses, principalmente os atuais, foram influenciados pelos antigos e fazem fotos das cidades sem a inocência que ainda existia no começo do século passado. Fazem, talvez, sempre por algum motivo ou intenção já pré definida, sabendo que antes deles muitos já fizeram isso antes. Afinal, os antigos roubaram todas nossas boas idéias, como li uma vez e achei engraçado.

A cidade mais fotografada no mundo acho que é mesmo Nova Iorque, mas talvez Paris sempre tenha sido uma fonte inesgotável de imagens, principalmente para um cara chamado Eugène Atget, que se mudou pra lá em 1890.

Conheci as fotos de Atget antes do nome, na época que eu só gostava de ver fotos, e não ler sobre fotografia, nem me importar com quem eram os caras que fizeram antes de mim o que faço hoje, muito provavelmente por causa da contribuição de todos eles, mas enfim, eu não dava bola pra história, quando era um adolescente, mas já gostava de uma foto dele, em particular. Muito tempo depois descobri que se chamava Versailles, parc, 1901. Eu já tinha feito uma foto bem parecida e nesse dia tive certeza de que precisava conhecer esses caras todos, porque afinal, temos coisas em comuns, nós, fotógrafos e apreciadores da fotografia. Comecei a ver e gostar e tempo depois descobri que não era o único que gostava do cara, pelo contrário.

Atget produziu mais de 10.000 fotografias - ainda usava negativos de vidro, naquela época já uma tecnologia em desuso - de fachadas, parques, ruas e trabalhadores em atividades cotidianas, e retrata uma Paris parte lenda, parte sonho, mas profundamente real. Trabalhou e ganhou a vida como fotógrafo mas a maioria é material autoral, por iniciativa própria. Queria preservar a cidade que estava sendo modificada pelo crescimento, talvez por ser um leitor voraz da literatura francesa do século XIX, e fotografou áreas destinadas a demolição e profissões fadadas ao desaparecimento, e na série sobre parques e árvores do sul da cidade, sugere uma preocupação em preservar ambientes naturais do visível crescimento industrial já visto na parte norte de Paris.

No livro que conheço, ainda não tenho mas um dia vou comprar, chamdo The Work of Atget, John Szarkowski e Maria Morris Hambourg deram a melhor crítica que existe de um fotógrafo individual, confirmando a necessidade de suas fotos, do conhecimento e da consolação que oferecem. No volume quatro, Modern Times, Szarkowski fala sobre o reconhecimento e sentimento de dívida que fotógrafos como Berenice Abbott, Walker Evans, Bill Brandt, Ansel Adams e Lee Friedlander tinham por Eugène. Szarkowski admira a intensa e relativamente direta admiração à beleza física do mundo - tanto em formas como na luz que as revelam - e sua relutância em atribuir grandes significados ao que fotografava.

As fotos de Atget são reconhecidas como a suprema expressão da fé instintiva da maioria dos fotógrafos: uma crença na significância de cenas específicas, e o poder/característica da câmera para transcrição precisa. Szarkowski sugeria que tudo que Atget alcançou e conseguiu pode ser atribuído ao fato de que seu objetivo (simplesmente "descrever o caráter autêntico da cultura francesa") eram muito maiores que seu ego e ainda diz que o exemplo de Atget "nos dá esperança de ver novamente artistas não como deuses mas como anjos" não como criadores autônomos mas como criativos celebradores do que nos foi dado, como disse Robert Adams no livro Why People Photograph, tradução livre.

Enfim, Eugène Atget é um dos meus favoritos, talvez até o favorito, depende da lua eu acho. É controverso, mas Szarkowski tem uma frase que acho de define meu sentimento por Atget: "the first demand that we make of a major artist, famous or nameless, is that subsequent artists be moved by his or her work, and take from it." Ainda não tenho o livro na minha biblioteca mas levo comigo na memória.

just like wine

2010-06-08T10:35:00.000-07:00

my friends and family always complain that I never show my pictures, that they never see what I photograph. Well, they are right to complain, cause I never do show, and when I do, months and years have gone by.

Photography for me was never about showing, it is all about making. It's about the feeling of making, not the feeling of showing. Starting a Flickr page and this blog was a way for me to try to show, to share my photos. I'm working on it, just like in a group therapy where I have to stand up and say my pray. Come out, come out, wherever you are.

I don't even like to see my own photos, I just like to keep them, stored, safe, somewhere. I acknowledge that it is in the nature of the photographer and/or artist to show, to exibit, the works and pieces that he or she produces, but not me. I don't like to show (off) and never liked the exibitionist part of the craft. I must have a problem of some sort, and it may be because whenever I photograph for a job (for money) I have deadlines to fulfill, I have to deliver and show the work in a time frame set up by the client. Yes that must be it, because it's always for yesterday, the deadline. So when my own photography work, the authoral photography material is made, I kindda keep it away for a while. No hurry, no timeframe, no pressure. I don't care about the jokes or whatever that my friends and family are used to make, I just don't give a fuck anymore. The photographs are mine, I will show them whenever - and if - I want, right?

So the days goes by and another year ends and the photos are still there, somewhere, stored, away. But the feeling is in me, on me, around me. Photography, for me, is all about the feeling. It's not about showing pictures, it's about a feeling that I can't explain, just feel.

I keep them in my methaphorical wine cellar, so they can mature, age, get ready, or just in case they are not good, I'll not know until I open the bottle, so if I never open, I'll never know. I have dozens of film rolls, hundreds of digital negatives, all stored, for some day, whenever I feel like, I can bring them out, and maybe enjoy.

This photograph above is of my very dear friend Mari Castro, a beautiful fashion designer and also a fashion college teacher, who helped me a lot when I was starting to make fashion photography, last century. She is a very special person, very rare, so I guess she will forgive me and understand me for taking so long to give her this photos, which were made in 2006, just for fun, in my house.

Well, today I felt like opening this bottle. Photography, for me, sometimes, is just like wine.

(There is more on my flickr page: www.flickr.com/photos/andrecavalheiro)

matéria prima

2010-05-27T18:16:00.000-07:00

mais do que em qualquer outro tempo, hoje em dia não se faz nada sem dinheiro. Fora respirar e outras funções biológicas e sentimentais, tudo mais custa dinheiro. Sem falar nos impostos que se pagam em cada compra, cada vez que alguém acende a luz ou abre a torneira.

Na arte, com excessão do canto e da mais simples apresentação cênica - um monólogo em praça pública quem sabe - talvez todo resto precise de um fator em comum: dinheiro. Desde o papel e lápis até o mais moderno equipamento de cinema, a arte depende do financiamento, depende de coisas (quase todas industrializadas) que não se inventam, se compram. Existem meios de contornar esse fator, mas mais cedo ou mais tarde chega-se lá e a matemática financeira que estava escondida aparece e revela o que sempre esteve incorporado na construção/concepção de uma obra: os recursos.

Recursos podem ser os mais variados, e mais variado ainda é a diferença entre os recursos de cada artista, tanto materiais quanto imateriais. A relação entre ambos é que torna possível a realização de uma obra, seja uma escultura, uma pintura, uma fotografia. Portanto ter recursos é uma vantagem.

A campanha mundial da Nike, fotografada no Rio de Janeiro, acho que em março, foi feita por um fotógrafo inglês que agora não lembro o nome, e meu grande amigo Eduardo Rodrigues - que também é fotógrafo - fez a produção pro fotógrafo, alugando equipamentos pra serem usados no dia da foto. Resumindo, da lista original nada foi encontrado pra locação nem pra venda pronta entrega no Rio, e os equipamentos usados foram os melhores que se pode achar. No dia das fotos o fotógrafo ainda disse: "que bom que eu trouxe a minha câmera" e tirou da sacola um equipamento de mais de cento e cinquenta mil reais. Ao todo, a lista dava mais de meio milhão de reais, caso fosse uma lista de compras.

Gregory Crewdson é um fotógrafo americano, um dos meus favoritos por sinal, conhecido pelos cenários elaborados e cuidadosamente preparados, retratando cenas surreais da vida cotidiana americana. Hoje em dia é professor da Yale University of the Arts, e trabalhou sempre com grande formato. Ao ver as fotos dele, fica evidente que é um fotógrafo de grandes recursos. Técnicos, estéticos, artísticos, e, claro, financeiros. Mobiliza uma equipe e fica o tempo que for necessário na locação, consegue ônibus, guindastes, figurantes, modelos, enfim, tudo. Pra trabalho autoral. Não é a Nike pagando, é trabalho autoral.

A quantidade de recursos disponíveis pra realização de uma obra é diretamente responsável pela parte técnica, deixando a parte estética completamente de fora. O talento e a mente de Gregory Crewdson são fantásticos.

Vi uma entrevista do cara que trouxe a National Geographic pro Brasil, e ele contando de uma vez que mandaram um fotógrafo da extinta revista Manchete pra acompanhar o fotógrafo da National numa excursão pra Amazônia e que no final, pra encurtar a história, as fotos ficaram bem diferentes. Ou seja: talvez recursos não substituam o talento, mas com certeza influenciam, modificam, melhoram, permitem. Enfim, nada é de graça e o dinheiro é, muitas vezes, seja em forma de tinta, filme, câmera ou argila, matéria prima.

Fiz essa foto hoje no estúdio. Demorou porque tive que secar o suor das notas.

back in those days

2010-05-14T15:49:00.000-07:00

back in that particular day, in 1996, I met a french young girl, Elodi. She was only seventeen, but so was I. She was wearing a little short jeans, living and studying in New York City, and I was just visiting, taking some photographs. So I became friends with her and that night we met again, and I learned a lot about french and new yorker lifestyle, well, the most I could in one night.

Back in those days when the towers were still standing and there was no fear in the streets. Times have changed a lot since then, and that's too bad. New York City is not the same anymore. This is more than a photograph, this fraction of time is an archeological document of an old world that no longer exists.

I made this photograph with a Nikon F and Kodak Tri-X black and white film. The world has changed a lot since that sunny day in New York City.

dia do trabalhador

2010-05-01T11:30:00.000-07:00

foi vendo esse blog que Rose de Paulo entrou em contato comigo, me convidando pra participar de uma exposição fotográfica. Confesso que só participei por dois motivos: 1. ela me conheceu através do blog e 2. o tema da exposição é "Olhando o Trabalhador", em homenagem ao dia do trabalho.

Não fossem essas duas coincidências, não teria participado, justamente porque eu tava completamente lotado de trabalho na semana que precisava enviar as fotos e não tinha tempo de fazer nada, nada, nada, só trabalhar. Mas não resisti e resolvi deixar as energias fluirem, afinal, nada melhor pra um fotógrafo workaholic do que participar de uma exposição sobre os trabalhadores.

Três das fotografias escolhidas já estavam aqui no blog, inclusive eu estava escrevendo sobre trabalho:

work and leisure

hard work on vacation

metais diferentes

a outra é essa aqui de cima, uma composição de três imagens que fiz da janela do hotel que estava ficando em São Paulo, durante um trabalho que fui fazer lá, em 2003. Blue Tree da Faria Lima quase esquina Juscelino Kubitschek, happy magic hour no hotel depois do trabalho, fotografando trabalho autoral, fotos de trabalhadores que sete anos de trabalho depois seriam expostas em uma exposição sobre o trabalho, em homenagem ao dia do trabalhador. Quatro fotografias 50x70cm.

Exposição "Olhando o Trabalhor" (São Paulo/SP)
A Exposição "Olhando o Trabalhor" é uma homenagem ao dia do trabalhador.

Acontece neste sábado, 1o. de maio, no Centro Cultural de Ações do Metrô Santa Cecilia.

24 fotos de 6 fotógrafos com olhares diferenciados e lugares de várias partes do mundo.

O resultado são registros de costumes e formas de trabalho, clicados desde São Paulo, Rio de Janeiro, Belém ao Vietnã.

as escolhas, a esperança, as perdas e a saudade II

2010-04-27T14:59:00.001-07:00

se conformar com as perdas é difícil, ainda mais quando não acontece de uma vez só mas quando vão sendo sentidas, continuamente, durante um tempo. Saber que poderia ser possível, que é só estar lá, querer, conseguir. Mas não, o pior é quando decidimos seguir em frente e deixar pra trás, passar, seguir adiante. Deliberadamente, por mais dolorido que seja, a escolha de continuar o caminho e não fazer aquela fotografia, não criar aquela imagem, acontece, mais cedo ou mais tarde.

Sempre quando viajamos, é difícil - pra não dizer impossível - parar em todos os lugares que guardam uma boa fotografia. Ainda mais quando se viaja acompanhado. Então passamos e deixamos pra trás muitas, muitas fotografias que poderiam ter sido feitas.

No fim da viagem, a escolha de não parar pra fotografar, a esperança de fazer uma boa foto, a perda das oportunidades e a saudade do que nunca vai existir crescem e se multiplicam, tomando conta e criando o arrependimento. Lidar com as perdas e o arrependimento é fundamental na vida de um fotógrafo, intrínseca à experiência, parte da viagem.

Essa foto do post fiz na beira da estrada, quando vi aquela fotografia parei o carro e fui registrá-la. Quase na fronteira, ao nascer do sol, na estrada que atravessa o Taim. A fotografia estava ali, esperando, só o que precisava fazer era parar e ir ao seu encontro. Se eu não tivesse parado e ido ao seu encontro, não tinha essa fotografia dos dois cavalos juntos ao nascer do sol, sob essa nuvem, teria somente outra escolha, a esperança, a perda e a saudade.

noise

2010-04-24T23:37:00.000-07:00

noise

1. a sound, specially one that is loud or unpleasant or that causes disturbance

2. technical irregular fluctuations that accompany a transmitted electrical signal but are not part of it and tend to obscure it

- random fluctuations that obscure or do not contain meaningful data or other information

Midde English from Old French from Latin to digital photography. We all heard that, seen that. When photographed with film, a photograph acquires a quality, a look, that distinguishes it from the digital photography, and that is the grain.

Random combination of chemicals in a rectangular gelatin support do not look the same as mathematically square divided area in a digital sensor, so what we were used to appreciate in film photography no longer suits the taste of the old school eye.

Well, things change. At least for me, once I laid my eyes upon the image above. A digitally captured image, a photograph made with a digital camera, hand held, ISO 1600, five seconds holding that plastic camera on the top of that sand dune in La Moza beach, Uruguay, almost two in the morning. The moon was not full but I just love sun and moon pictures, so I made one more.

When I was on the lab, developing the "films", I instantly eyed that photograph and a revolution started on my acquired taste, a change in my judgement and a whole new perspective and possibilities ahead enlighted my photographic sense and will. Why not? If one thinks back, a lot of people didn't like grain in the film photography era. One of my most dear master, Edward Weston (http://andre-cavalheiro.blogspot.com/2008/11/tava-ventando-muito-e-caindo-uma-chuva.html), liked and produced only sharp, perfect photographs and did not appreciate grain, but on the other hand, for a man like Robert Capa, the ISO did't matter, I suppose. So thinking about all that, developing those pictures, making an analysis of that noise, I found out that sometimes it may even look good. It may suit the photograph, at least sometimes, just as the grain did in film photography.

It is quite good to change one's mind about something, sometimes. I feel better knowing that noise is not always bad. You just gotta dance according to the music.

The coincidence is that in that right moment when I made that photograph, there was a party going at that small sand beach, the season closing party, can't remember the name right now, but it was catchy. I don't quite like that kind of music, it sounds to me as noise, most of the time, and in that moment some Parliament Funkadellic or Incognito would be a better call, but sometimes, an exception must be given, is just how life is, I guess.

work and leisure III

2010-04-23T18:52:00.001-07:00

cooking is instinctive, but is also learning and practicing, work and time. Delicious, but really hard to become a chef. There is a huge difference between a cook and a chef.

encontro

2010-04-20T21:47:00.001-07:00

sempre gostei de fotografar durante a noite, e casualmente nesse dia eu tinha uma lanterna, já que estava acampando. Tripé e trinta segundos de exposição para iluminar o céu e essa árvore caída - com a lanterna. Três tentativas, a segunda foi a melhor. Já diz o ditado.

Encontro de duas técnicas, night photography e light painting, perto da costa, nos arredores da floresta, praia La Moza, Uruguay.

cyanotype

2010-04-17T09:21:00.000-07:00

Julia Margaret Cameron was a British photographer, and one of her most famous photograph is a portrait of Sir John Frederick William Herschel, named only Sir John Herschel, April 1867, an albumen print that belongs to the Boston Museum of Fine Arts collection, a gift of Mrs. J. D. Cameron Bradley. The importance of this particular photograph is that it changed the conception of portrait photography because it was a very cropped image, showing just the head, unlike the classic portrait that shows the chest and shoulders also.

Herschel himself also made numerous important contribution to photography. He was a mathematician, astronomer, chemist, scientist and writer, whose studies and books had a strong influence on science, specially in the University of Cambridge, where inspired the student Charles Darwin, but that's another story.

Improvements in photographic processes, experiments with color reproduction, the terms negative and positive applied to photography, the discovery of the platinum process and the discovery of sodium thiosulfate to be a solvent of silver halides, in 1819. The man was a not only intelligent and workaholic, but he was also generous. He informed Talbot and Daguerre of his discovery that this "hyposulphite of soda" ("hypo") could be used as a photographic fixer, to "fix" pictures and make them permanent. History was being made and is to this people that we, photographers, must thank every time we make a photograph.

One of the ways that we photographers can thank and appreciate what those people have done for photography - and for us - is to get to know them. Is to know and acknowledge what they've done, who they were, and so forth and so on.

That being said, I thank Sir John Herschel particularly for the invention of the cyanotype process, the photographic printing process that gives a cyan-blue print. (By the way it was the precursors of the modern blueprint process, wich was popular in engineering and architectural circles well into the 20th century). The use of ammonium iron citrate and potassium ferricyanide somehow made this effect in prints.

I'm a great enthusiast of this type of print and I continue to use this process to this day. Of course the photography laboratory is now digital, which means that I no longer handle chemicals in the darkroom, but electronic information in the lightroom, or the computer, or the software, whatever. (actually I do, but not this process, and mostly film developing, although this semester I'll have access to the black and white lab in a class I'm having in the Visual Arts course ind the University.) What really matters is that every time one chooses the cyanotype process in the chemical or digital lab, he or she must thank Sir John Frederick William Herschel.

This photograph was taken last month, in Playa Grande, Uruguay.

work and leisure II

2010-04-07T06:24:00.000-07:00

quando por sorte o trabalho e o lazer se encontram, se cria a possibilidade de se gostar do que se faz pra trabalhar. Mesmo sendo raro acontece, nem que seja só as vezes. Na fotografia o trabalho e o lazer se misturaram tanto que se tem a impressão de que fotógrafos não trabalham - impressão essa criada na década de 70 quando muita gente comprou uma câmera só pra dizer que trabalhava com alguma coisa.

Bob Wolfenson foi um desses, em meados dos 70 conseguiu uma câmera e arranjou uma desculpa... em 1978, ano que eu nasci, ele abria seu primeiro estúdio. Muito trabalho e muitos anos depois, o suposto vagabundo dos anos 70 é um dos caras que mais trabalhou e trabalha com fotografia no Brasil. Tem seu lugar garantido nos livros da história da fotografia brasileira graças a muito, muito trabalho. Sem falar no talento, claro. (http://andre-cavalheiro.blogspot.com/2009/03/o-mito-do-talento.html).

Imagino que ele tenha gostado bastante dos trabalhos que realizou ao longo desses anos todos. Mas foi tudo trabalho, manuseio de ferramentas, horas de esforço físico, mental, criativo. Fotógrafos são operadores de máquina, ferramentas, trabalhadores com qualquer outro. Mesmo quando trabalhando para nós mesmos, mesmo fazendo trabalho autoral, continua sendo um trabalho, mesmo quando é lazer.

Eu mesmo confesso que comecei a trabalhar com fotografia assim, tinha uma máquina, mecânica e manual, usada, precisava de grana... comecei a trabalhar com fotografia pra ganhar dinheiro, no século passado. Quando inventaram as câmeras digitais, logo no início do século XXI, a história fez a volta e muita gente conseguiu uma câmera e a desculpa que está trabalhando. A desculpa e o lazer e o trabalho ficaram ainda mais fáceis, mas perderam um pouco do charme. Gostava mesmo quando as máquinas eram mecânicas e manuais, de metal mesmo. Hoje são de plástico, descartáveis, e não funcionam sem pilha. Sou do tempo da manivela, quando as máquinas eram de metal. Não se fazem mais ferramentas como antigamente.

Clica em cima da foto pra ver maior e enxergar as texturas. Sempre gostei de ferramentas.

filmes, laboratório, gastos e tempo

2010-03-19T11:00:00.000-07:00

procurando um documento antigo, encontrei esse arquivo de "gastos em fotografia", datado agosto de 2000.... quase dez anos atrás, na época que se comprava filmes toda hora:

Gastos fotografia

Sensia 100 = 12,60
Luvas = 3,50
Pac. 18x24 = 28,00
Revel.6x9 = 9,90
Plus-x = 5,60
Estúdio = 20,00
Plus-x = 5,60
Plus-x = 5,60
Proimage = 5,90
Proimage = 5,90
Pac. 9x14 = 22,00
2 lamps amp. = 29,00
lata plus-x = 100,00
pac.24x30 = 30,00
case tripé = 20,00
pac. 24x30 = 33,00
dektol = 3,80
cartões = 25,00
cartões = 12,00
proimage = 5,20
t-max = 6,40
superia = 6,00
lamp = 30,00
120/12p = 9,00
rev/cont angel = 15,00
rev/cont twp = 15,00
filme carla = 15,00
d76 = 4,00
cx 9x14 = 20,00
amp angel = 46,61
amp angel = 17,20
cromo = 25,00
pasta book = 16,50
rev/contato = 34,00
rebatedor = 90,00
2 tri-x = 15,00
5 cromos = 94,00

essa foto aqui de cima foi o primeiro contato que eu fiz na vida, em 1995, numa aula de artes quando estudei nos Estados Unidos, numa escola pública. As fotos não saíram, velou o filme eu acho. Que bom que eu não desisti. Esse ano comecei uma aula de laboratório no curso de Artes Visuais, na universidade federal. Pra quem trabalha, é muito difícil ter tempo mas não pretendo desistir.

simplicidade II

2010-03-17T05:33:00.000-07:00

o olho e a sorte

2010-03-11T19:58:00.000-08:00

estar no lugar certo na hora certa sempre foi premissa de uma boa foto e virou até cliché mas continua sendo verdade. Melhor ainda se tiver com a câmera, melhor ainda se levar o tripé.

Hoje cheguei na frente do Museu do Olho - projetado por Oscar Niemeyer em Curitiba - sem minha câmera nem meu tripé, que havia deixado no hotel minutos atrás antes de sair pra comer alguma coisa. Pedi à meu amigo que fossemos a um lugar aberto e barato (andei gastando muito no verão hauahuahua) e também porque tava afim de comer e ir dormir, sem frescura. Fomos num boteco na frente do museu e chegando lá, já sentado falei: "se eu fosse um cara foda, pegava um táxi e ia no hotel pegar a câmera e o tripé!" Diz ele: "pega meu carro e vai lá". Fui - com a esposa dele pra me mostrar o caminho - e voltei com tudo. Muito obrigado mesmo!

Não sei se foi de propósito que botaram a luz naquele formato mas desconfio que sim. Tava tendo um evento lá, essa luz ia ser desligada e levada embora em questão de horas. Se eu fosse um cara foda eu alugava um equipamento assim, colocava lá, voltava com uma 8"x10" com um cromão e fazia a foto de novo. Usava as que fiz pra layout e pra planejar a produção.

Talvez nunca o Museu do Olho tenha ficado assim. Talvez essa seja a única foto do olho sendo ainda mais olho. Não sei mas se não fosse meu amigo Edson Ern e minha amiga Luciana Franco, essa foto não existia. Mais que o olho, o fotógrafo tem que ter sorte.

Essa foto fiz já no bar, na mão mesmo, revelei de qualquer jeito hoje mesmo no hotel só pra poder mostrar pra morena. As que fiz no tripé tem que revelar com mais cuidado e usar o laboratório ao extremo, já que a gente pode mais hoje em dia. Acabei achando essa mais verdadeira do que o jeito que as outras vão ficar, mais real, câmera na mão, tomando uma cerveja. Mais parte do dia a dia. Everydaylifephotography.

Mais uma vez e pra sempre, muito obrigado aos meus amigos, I get by with a little help from my friends.